jueves, 13 de septiembre de 2012

DÍAS DE TEATRO EN GUAYAQUIL

Días de teatro en Guayaquil

Por Redacción Expresiones   

28 de Agosto de 2012 - 16:09

El Sótano montará El día que aprendí a decir no.


Yuyachkani con el espectáculo Con-cierto olvido.

El Sótano montará El día que aprendí a decir no.

José Javier Roldós C.
roldosj@granasa.com.ec
El Festival Internacional de Artes Escénicas (Fiartes) de Guayaquil abre mañana su telón con funciones gratuitas en los escenarios del Teatro Centro de Arte y el Teatro Laboratorio del ITAE.
Jorge Parra (foto), actor, bailarín y gestor de este encuentro, reflexiona sobre los quince años que respaldan a esta muestra teatral, que se inició en Sarao, con una programación que se extendía por tres meses y que hoy ha sumado a su cartelera talleres, presentaciones y conversatorios entre artistas e interesados en el tema. En dos semanas, reunirá diversas propuestas del quehacer teatrero contemporáneo, nacional e internacional.
“En sus inicios arrancaba en octubre y terminaba en diciembre. En Guayaquil, en ese tiempo, casi no se veían obras. Sucedía el teatro de manera muy esporádica y teníamos esa suerte, digamos, porque la gente estaba muy ávida de ver propuestas de este tipo... Sobre todo agrupaciones importantes que no habían venido a la ciudad comenzaron a venir; el festival era nacional, pero teníamos siempre un invitado que venía de algún país cercano, Colombia o Perú. Poco a poco fue evolucionando y se volvió internacional, más equilibrado”.
Parra, de 48 años, 30 de estos dedicados a las artes, recalca que el Fiartes ha pasado de ser una muestra de exhibición a adquirir también un tono más formativo. “Buscamos que el festival sea un aporte a la comunidad actoral, artística, teatral... Hemos desarrollado también un espacio para la crítica, se mantienen talleres temáticos y este año un encuentro de directores de América Latina”.
Como parte de la oferta a la que el público tendrá acceso, el laboratorio de artistas Mapa Teatro, de Colombia, presenta hoy y mañana (21:00 y 20:00), en el Centro de Arte, Testigo en ruinas, “un tipo de espectáculo que involucra las artes visuales y otros lenguajes tecnológicos”.
Yuyachkani, de Perú, propone el domingo 2 de septiembre (20:00) la obra Con-cierto Olvido. “Es el típico teatro latinoamericano de grupo. Tienen cuarenta años de existencia como agrupación, justamente este año los cumplen”. El trabajo de las mexicanas Liliana Felipe y Jesusa Rodríguez también llegará al Centro de Arte con la presentación de Diálogos entre Darwin y Dios (septiembre 3, 20:00), “un tipo de cabaré que fluctúa entre la música y el teatro”. Desde Suiza, el teatro Delle Redici traerá el 5 de septiembre, a las 20:00, Track. El colectivo Sótano, de Brasil, pondrá en escena El día que aprendí a decir no (septiembre 6, 19:00); “Ellos se presentan en el Teatro Laboratorio del ITAE, una propuesta de mimo corporal más contemporáneo”.
Parra agrega que en la programación también se ha incluido un espectáculo musical a cargo de Daniel Aguirre y 120 Kilos de Jazz, de Bolivia (septiembre 7, 19:00).
Las ofertas locales varían desde Ensayo sobre la soledad, dirigida por Santiago Roldós, de Muégano Teatro, de Guayaquil (el sábado a las 20:00); Las paredes hablan, de Raymundo Zambrano del grupo Palo Santo, de Manta, el 9 de septiembre a las 19:00; el 10 de septiembre, a las 20:00, Luna de miel, otra de sal del Teatro del Cielo, de Cuenca, bajo la dirección de Martín Peña. El festival culmina el 11 de septiembre a las 20:00 con El Montaplatos, del grupo Daemon, de Guayaquil, bajo la dirección de Jaime Tamariz.
Las jornadas formativas tienen en su agenda, el 8 de septiembre, a las 19:00, en el ITAE, la mesa de discusión El teatro latinoamericano hoy: teatralidades, contextos, poéticas y políticas, con la participación de Jaime Gómez Triana (teatrólogo cubano), Santiago Rivadeneira (revista El Apuntador, de Ecuador), Maico Silveira (El Sótano, colectivo teatral y revista de Brasil). La moderadora será Bertha Díaz (del ITAE).
Mientras la décima quinta edición de Fiartes arranca mañana en Guayaquil, Parra y el equipo de Zona Escena esperan que baje el telón para empezar a escoger la programación de la próxima edición.

El Sótano revela su faceta creativa dentro del Fiartes-g

CULTURA
Tomada de la edición impresa del Sábado 08 de Septiembre del 2012
Silveira participa hoy de un debate en el ITAE

El Sótano revela su faceta creativa dentro del Fiartes-g

Con “El día que aprendí a decir no” un monólogo sostenido a punta de carisma,el actor brasileño integrante del grupo que edita El Sótano Revista Virtual de Artes Escénicas presentó una pieza en la que vierte varias reflexiones sobre el mundo contemporáneo
Maico se ganó al público jugando con el humor sin contar chistes o hacer uso de gags. Foto: Eduardo Escobar |  El Telégrafo

Maico se ganó al público jugando con el humor sin contar chistes o hacer uso de gags. Foto: Eduardo Escobar | El Telégrafo
Redacción Cultura
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Bryant Caballero (Yucatán, 1982), Alejo Medina (Montevideo, 1980), Bertha Díaz (Guayaquil, 1983), Maico Silveira (Osório, 1983) y Antonio de Diego González (Málaga, 1986) forman el colectivo El Sótano, que edita la revista virtual de artes escénicas homónima.
De esa publicación, ahora cuatrimestral, ya circula su sexta edición en www.elsotanorevista.org/revista/revista/numero6.html, y a la par Díaz, docente de la carrera de Teatro del ITAE, y Silveira, son parte integral del XV Festival Internacional de Artes Escénicas de Guayaquil (Fiartes-g), uno como invitado y ella como parte del equipo organizador.
Silveira o mejor dicho Maico -Miguel en ciertos momentos- como se presenta en la obra que trajo al Fiartes-g, “El día que aprendí a decir no”, vino como representante del Colectivo El Sótano, de Brasil, mostrando la faceta creativa de estos ex compañeros de una maestría de artes escénicas en España que formaron el colectivo Laborescena, que luego se volvió El Sótano, pues se reunían en un sótano de Sevilla.
La obra enganchó al público congregado la noche del jueves en el Teatro Laboratorio del ITAE, por ser en esencia un stand up que, sin embargo, no es tal.
Maico lo deja claro en su obra, nota que el público no lo considerará un gran actor y por ello depende de su gran carisma y simpatía para “embolsárselo” con un trabajo honesto, sin pretensiones, que revela de forma obvia sus posiciones políticas en el mundo contemporáneo.
A pesar de ello, en ciertos momentos hace la obra interactiva, como al actor le gusta. Dice que es teatro postcontemporáneo y da indicaciones de en cuánto tiempo concluirá la obra, con qué cuadro, luego de cuantos parlamentos y hasta con qué gesto para que el público aplauda.
Al parecer las carencias físicas y actorales se suplen enteramente a base de carisma, pero en realidad, más bien desde la banda sonora original de Leonardo Dias, que incluye un compás para cada movimiento que Maico hace, y un juego con la percusión, sin dejar de lado la presencia de una esfera blanca que Maico suele utilizar como apoyo visual.
Cuestión de espacio
El “problema” de la presente edición del Fiartes-g ha sido el masivo aumento del público a las diferentes salas que acogen las presentaciones gratuitas de grupos nacionales e internacionales, las salas Experimental y Principal del Centro de Arte, la Sala de Danza y el Teatro Laboratorio, ambas del ITAE.
Ahora se forman largas filas cual concierto, sobre todo en la Sala Experimental del Centro de Arte y el Teatro Laboratorio del ITAE, y a pesar de que las personas han adquirido la sana costumbre de llegar con 2 horas de anticipación a las funciones, pueden vivir el estrés de si se quedarán afuera o alcanzarán un asiento.
En la función de Maico se repartieron tickets para ordenar el ingreso de público, puesto que una numerosa columna esperaba ingresar desde las 17:00, ya que iniciaba a las 19:00, y lo hicieron a las 19:02 porque la preparación de Maico se había prolongado.
Festival indaga en el contexto de arte local
El XV Festival de Artes Escénicas también ha mantenido su espacio de formación y debate característico. La mañana del 31 de agosto, en el Teatro Laboratorio del ITAE, se dio el Encuentro Internacional de Director@s Escénic@s conducido por el teatrólogo cubano Jaime Gómez Triana.
Hoy, 19:00, en la misma Sala, Maico Silveira, Goméz Triana y el crítico teatral Santiago Rivadeneira discutirán sobre “El teatro latinoamericano hoy”, con la moderación de Bertha Díaz.

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LO QUE DIJO "EL APUNTADOR"

ENCUENTRO DE TEATRALIDADES EN EL FIARTES-G

Por Santiago Rivadeneira | septiembre 12, 2012

Teatro Delle Radici/Suiza – Obra Track
¿Qué es lo que finalmente se desplegó a lo largo y ancho del Festival Internacional de Artes Escénicas –Fiartes-G- y que el público procesó con asiduidad y aplicación, como “singularidades artísticas”? ¿Cuáles fueron aquellos puntos de giro que cada obra propuso y cuáles fueron los rasgos creadores que las particularizan?
Nos corresponde insistir en las formas que proponían los grupos, contra lo establecido e instituido –insistimos, siempre con sus rasgos artísticos-: la erradicación de la semejanza, lo meramente representativo, lo narrativo y lo “experimental”. Porque toda disposición sensible, aún las de aquellas obras que están concebidas con extrema grandilocuencia o desdén estético, puede producir algún efecto artístico. Y, sin embargo, no se trata exclusivamente de eso porque, con frecuencia, permanece a la vista inmediata el “azar de las ocurrencias sensibles”.
Algunas espectáculos produjeron insólitos consensos, que se rubricaron con tempestuosas muestras de opinión compartida. Se puede hablar que los festivales, en general -y el de Guayaquil no fue una excepción- gestionan una “militancia estética” muy fuerte y participativa. La novedad –aun en sus excesos- es atractiva. Al público, joven principalmente, le convence lo novedoso y piensa que lo “antiguo” (sin muchas adjetivaciones) y la repetición, (sin precisiones) son detestables por estar fuera de contexto. Esto puede significar que debe darse paso a las rupturas absolutas. O que la fortaleza artística siempre está en los quiebres y cuestionamientos de las formas vencidas.
Rimbaud decía: “Hay que ser absolutamente moderno”. Por simple extensión, podríamos decir que ahora se instala el prurito de que “hay que ser absolutamente post modernos”. Pero no existen ideas absolutas en el teatro. Y cada obra tiene la suficiente permeabilidad para adecuarse a la teatralidad y la sensibilidad de cada momento. Y si aquello no ocurre, el mismo tiempo se encarga de cristalizarlas.
No todas las propuestas escénicas (sobre todo las que se presentaron en el Fiartes-G) buscan reivindicar su esencialismo, porque no está en los propósitos de nadie ni en los modos de ser y de percibir la realidad, aspirar a la trascendencia. El teatro debe ser lo que es, y eso significa que el teatro “debe devenir lo que ya tuvo la posibilidad de ser”. (Badiou)
Las intensidades del presente, que el público capta con rapidez, parecen demandar formas de expresión menos sometidas a deliberadas “mutaciones” o innovaciones superficiales. Y aunque en un comienzo se perciba una actitud unánime, hay una capacidad para discriminar y señalar lo que verdaderamente importa: que las teatralidades adviertan sobre el mundo de la vida y los seres humanos.

UN “SER O NO SER” SIN ESPECTÁCULO

Por Santiago Rivadeneira | septiembre 9, 2012

El Colectivo El Sótano de Brasil (Fiartes-G), aprendió a decir “no” a todo: a la estructura dramática, al personaje, al espacio de la representación y a cualquier noción establecida de espectáculo. Porque Maico Silveira, actor y dramaturgo brasileño, autor del texto El día que aprendí a decir no, apostó por el “ser o no ser” como reino de la ambigüedad y de la “post modernidad”.
El teatro es un buen ejercicio para ciertas acrobacias (conceptuales y teóricas), solía decir Badiou, sobre todo en aquellos ámbitos señalados por la dialéctica y la política. Sin embargo, Silveira se deja traicionar por un “exceso de referencialidad” y una ludicidad que más bien desarticula y fragmenta el espectáculo.
Es el actor-personaje (Maico) o personaje-actor (Miguel): caben siempre las dos posibilidades, que busca o intenta dialogar a través de preguntas y respuestas calculadas, reiteradas o triviales en relación con la idea de espectáculo que maneja. Atraviesa por situaciones forzadas e inocuas, desprendidas de teatralidad suficiente. La condena o la consigna, dice, es aprender a vivir sin detenerse demasiado a reflexionar sobre los cambios del mundo y de la vida, por ejemplo decidir entre el agua y el aceite.
Y esa fuerza analogizante no descifra su propio espacio –un cuadrado con focos que cuelgan del techo- y abre tantas compuertas como resquicios podemos encontrar en un espacio post ilimitado. Y, sin embargo, la obra consigue sintonizar con el público joven, interrogarle e intercambiar “puntos de vista” sobre determinados sucesos que narra el personaje.
Como un acto purgatorio, patea una pelota contra las paredes, se despoja de su ropa, se limpia con agua de lluvia, anticipa el final del espectáculo para que no haya más sorpresas (nunca las hubo, en definitiva) y se despide con un último gesto que el técnico –y todos- espera para bajar la luces.

LA VIGENCIA DEL “SEMBLANTE”

Por Santiago Rivadeneira | septiembre 7, 2012
Es una obra que se desliza entre las máscaras –como semblantes- y el gesto que se descompone o se fracciona en un contexto de rara intimidación que compromete las apariencia de los personajes: ella (Camilla Parini) y él (Andrea Fardella), están incomunicados entre sí, pero comparten un mismo espacio, representado por un cuadrado blanco y varios cubos que se activan como parte de la misma sospecha.

Esa distancia con respecto a lo “real” es lo que la obra Track del colectivo suizo Teatro delle Raici, pone en escena con la prolija dirección de Cristina Castrillo, directora y fundadora del grupo. Hay otro elemento, sin embargo, que también cumple su parte en este juego de apariencias: la decadencia del lenguaje. Cuando la capacidad de las palabras para nombrar está comprometida con la inmediatez, solo cabe esperar que actúe el disimulo.

Este estigma gira alrededor del concepto de réplica, pero como negación o desmentido. “Somos la réplica de nosotros mismos”, dicen los personajes-figura. Entonces hacen “crack”, se fracturan y mutan entre la normalidad y la anormalidad, intercambian gestos con la esperanza de que la simbolización deje de ser un estropajo. Sus respectivos semblantes terminan interponiendo un encuentro necesario, solamente a partir de una “fuerza” que conduce al “desenmascaramiento”.

¿Cuál es esa fuerza? Suponemos que la de la ficción.

TEATRALIDAD DE LA POLÍTICA

Por Santiago Rivadeneira | septiembre 6, 2012

El mundo parece que está marcado por una violencia singular, que ha sido capaz de condicionar el propio avance de la humanidad, determinado, además, por las manipulaciones ideológicas y una falsa dicotomía entre moral y política.

Pues, en este trance histórico, bien puede caber la conveniencia de intentar un “nuevo diálogo” entre todos los seres humanos, más presente y actual, que no estuviera subordinado a la semántica de la guerra sino de la legalidad. Así surge el interlocutor necesario, Darwin y su ya poco santa teoría de la evolución de las especies, de modo que cada “espectador” o actor del drama, sea parte de las nuevas revelaciones que pueden ocurrir de un momento a otro.

Descartada la ficción, los Diálogos entre Dios y Darwin, la obra del colectivo Las Patronas de México integrado por Jesusa Rodríguez (como Darwin) y Liliana Felipe (interpretando al piano sendas canciones de su autoría) se pregunta y nos preguntan respecto de la teatralidad de la política. Y cuál es, desde el punto de vista del teatro, el lugar de la representación, de la puesta en escena y la contemporaneidad del hecho escénico. Creo que esta es la cuestión fundamental del espectáculo diseñado como una “cabaret político”, o un performance.

El público que asistió al Teatro Centro de Arte, en el marco del Fiartes-G, seguramente se habrá inquirido: ¿quiénes son los verdaderos actores y en qué escenario les vemos? Sorprende de modo sincero, ese consenso democrático y moral que cobijó a los espectadores (salvo el de alguien que salió de la sala, herido en su susceptibilidad) para condenar las imágenes de los pícaros de la falsa política, proyectadas en una gran pantalla, como la del dictador chileno Augusto Pinochet, reírse con ganas de las “equivocaciones” de Dios y suscribir una encuesta para que mejoren sus servicios divinos.

Los diálogos… no nos situaron en ciertos juegos de lenguaje o en la presencia del cuerpo, sino en una construcción de verdades señaladas con un alto sentido del humor, ironía y desparpajo.

TESTIGO DE LAS RUINAS

Por Genoveva Mora | septiembre 4, 2012
Mapa Teatro, dirigido por Rolf y Heidi Abderhalden abrió la fiesta, Fiartes-g. Este grupo paradigmático del teatro colombiano pone sobre las tablas una dramaturgia visual, construida con el registro de la desaparición de un barrio, El Cartucho, en pleno Bogotá.
Varias pantallas, que de momento se convierten en una gran panorámica, recogen los retazos de vida y el abrumador escombro del desalojo. Los personajes son seres que regresan o deambulan en las ruinas de aquel que fue su refugio. En la escena no hay actores, simplemente y por momentos, hay personas (del grupo) que intervienen en el video, como para confirmar que hay vida latiendo en medio de la ruina.
Mientras la proyección ocurre, el proscenio está habitado por una habitante –Juana Ramírez- que vivió en ese barrio, ella pareciera continuar con su labor de siempre: hacer arepas y chocolate, y es que a pesar del destiempo, la cotidianidad asoma como lo único permanente, lo tangible, el alimento que nos mantiene vivos.


Con-cierto olvido

Por Genoveva Mora | septiembre 4, 2012


Amiel Cayo, Ana Correa, Cosafranca, Débora Correa, Julián Vargas, Rebeca Ralli y Teresa Ralli; integrantes de Yuyachkani/Perú, dirigidos por Miguel Rubio, ponen en escena su historia de grupo, de sus cuarenta años en la escena.
Es cierto, fui pensando ver teatro, en el sentido convencional, y me sorprendí con una propuesta que trasciende lo teatral, entendido como representación.
Siete personajes que no buscan actor, se presentan y ponen su cuerpo en la escena, ellos y ellas se convierten en documento que hace posible leer una historia personal y escénica. La música y la palabra son las herramientas para compartir algo que está inscrito en su interior.
Una hora y más cautivados por la sinceridad de un trabajo que no escatima nada. Cada uno de los actores es un personaje en sí mismo; sus voces son diáfanas y potentes, a pesar de los años.
Con- cierto olvido es un guiño a la memoria, es la constatación de que los cuerpos llevan inscritos, no solo en la piel sino en el espacio intangible del recuerdo, el tiempo vivido y el soñado, presente y porvenir.

ENSAYO SOBRE LA SOLEDAD

Por Genoveva Mora | septiembre 2, 2012
“En la capital de este reino gobierna un pirata batracio desde un tremendo despacho rodeado de un montón de sapos…”
Ensayo sobre la soledad, se estrenó anoche en Fiartes-g XV edición, del grupo Muégano, con un segundo texto de Santiago Roldós, que en esta ocasión solamente dirige. Actúan las mujeres: Pilar Aranda, la directora actoral, Marcia Cevallos y Aída Calderón, quien debutó con el grupo.
Un texto que retrata de manera irónica y sin disimulo el rompecabezas de los afectos, las relaciones de niñ@s y madres, querencias convertidas en gestos mecánicos y sin sentido. Chic@s que trasladan sus apetitos de amor a héroes absurdos de la tele donde también se reconstruye una estructura de poder.
Ciudades de parques abandonados, familias de afectos vacíos, niños vacíos de afecto…
Una puesta en escena donde prima la parodia de un lenguaje corporal que hace gala de entrenamiento, tal cual ocurre con los héroes de la pantalla. Un simulacro muy bien pensado, que de rato en rato nos recuerda, ya sea desde la voz de su director o desde la de las actrices, que “solamente” se trata de teatro… por tanto, que la realidad es más contundente.
Ensayo sobre la soledad recorre las instancias desde donde se construye el conocimiento de la niñez, padres, escuela, etc. … y nadie queda a salvo de esta crítica armada con ingenio e inteligencia y con mucha certeza actoral.


Marcia Cevallos y Pilar Aranda
( qué pena que no tenemos una foto de Aída Calderón, si alguien la tiene será bienvenida)


ENCUENTRO INTERNACIONAL DE DIRECTOR@S ESCÉNIC@S

Por elapuntador | septiembre 1, 2012
Fiarte-g que en este año celebra 15 de existencia, y diría también de resistencia, sobre todo en estas últimas ediciones. Propicia, entre las actividades paralelas al festival, esta mesa de exposición y diálogo con personajes del ámbito latinoamericano, director@s que compartieron su experiencia y, lo más relevante, la posibilidad de entender, desde sus discursos, el teatro que producen, sus estrategias de sobrevivencia, sus búsquedas y hallazgos a nivel estético, técnico, y, preponderantemente, su posición y responsabilidad política con cada uno de sus países.
La mesa la moderó Jaime Gómez Triana, teatrólogo cubano que ha estado muy ligado a este festival dirigido por Jorge Parra, quien ha encontrado en la gente del ITAE un soporte, especialmente a nivel intelectual y un espacio que da cabida a este tipo de actividades; de hecho aquí se desarrollan los talleres propuestos por el festival.

Jesusa Rodríguez – Las Patronas
En México vivimos como en Irak, pero a diferencia de allá las bombas son de dinero, las mafias son cada vez más evidentes; en este contexto trabajamos poniendo nuestra herramienta, el teatro, al servicio de una causa política, del cambio de México. Nos oponemos a un régimen de ocupación que EU tiene sobre nuestro país.





Santiago Roldós – Muégano Teatro
Pilar es la directora del grupo, yo soy de los montajes…el teatro es un lugar altamente importante es el lugar desde donde hago “otra política”, el lugar desde donde puedo hablar de la realidad, es una forma de resistencia.

Rolf Abderhalden – Mapa Teatro
¿Cómo estamos en la Polis, cómo dialogan las preguntas del arte, de la estética con las leyes del mundo, con nuestro estar en el mundo? Esta amplia pregunta nos llevó a eso que llamaríamos las micropolíticas, y la poética y la política, esa tensión entre estas dos instancias fundamentales en nuestra vida de artistas, que pertenecemos a un lugar al que le cuestionamos: Colombia.


Nelda Castillo – Ciervo Encantado
El teatro ha sido una tabla de salvación, en primera instancia personal.
Ya como directora, empecé a investigar aquello que un día enunció Flora Lauten, “trabajar con tu esencia y no con tu personalidad”. He trabajo mucho con la noción de cubanosofía, de Alfonso Bernal, abordamos un tema álgido sobre la cubanía desde personajes que empiezan a cuestionar la maravilla de lo que es Cuba, desde la ironía.




Miguel Rubio- Yuyachkani
Cuando tienes más de 40 años haciendo teatro es muy difícil que el pasado no sea el único presente. Yuyaschkani quiere decir “estoy recordando”.
A partir del 2001 en que se forma en el Perú la Comisión de la verdad, encargada de estudiar las responsabilidades del conflicto armado del Perú; el mayor logro de esta comisión ha sido cancelar muchas representaciones no solicitadas, y llevarnos a un campo en el que nos preguntamos cómo actores sociales, como ciudadanos, ¿qué hacer desde dónde estamos, cómo dar nuestra voz sin tener que suplantar una presencia?

FIARTES-G, UNA REFLEXIÓN SOBRE EL SER

 

Festival de teatro
FIARTES-G, UNA REFLEXIÓN SOBRE EL SER
Residencia artística entre España y Ecuador dirigida por Trinidad Martínez.
Por Redacción Expresiones
12 de Septiembre de 2012 - 17:15
doce días duró la celebración por los quince años del Festival Internacional de Artes Escénicas en Guayaquil (Fiartes-G). Fue organizado por la Corporación Zona Escena y realizado en dos sedes: el Teatro Centro de Arte (TCA) y el Instituto Tecnológico de Artes del Ecuador (ITAE), desde el 30 de agosto hasta el 10 de septiembre. La entrada a los espectáculos fue gratuita.
El Fiartes-G aporta mucho más que espectáculos y luego de quince años se ha ganado una identidad al pensar en el futuro del teatro. Este año fue un punto de encuentro de agrupaciones fundamentales, con obras que invitaron a repensar el cuerpo con una línea común de resistencia.
Entre los invitados estuvieron grupos con décadas de labor escénica como Yuyachkani, de Perú; Las Patronas, de México; Mapa Teatro, de Colombia; y Teatro Delle Radici, de Suiza. Estas agrupaciones, junto a Daniel Aguirre, de Bolivia, y Maico Silveira, de Brasil, más los colectivos nacionales Teatro del Cielo, El Muégano Teatro, Palo Santo, permitieron entender formas singulares de hacer teatro.
Jorge Parra, director artístico del Fiartes-G, comentó que la gratuidad fue por partida doble: “por los impuestos, ya que tenemos que hacer una inversión muy grande para acceder a los permisos, y porque valía la pena en el marco del aniversario; pensamos que eso provocaría que venga más público y lo conseguimos”.
La presencia masiva, en un principio influida por la gratuidad, “se reveló genuina en el transcurso del festival”, afirmó Bertha Díaz, encargada del Departamento de Teatro del ITAE, quien vio un público “disponible y abierto a dejarse tocar” por los planteamientos de esta muestra.
A más de las presentaciones se hicieron dos conversatorios con directores y críticos del quehacer teatral. “Aparte de espectáculos y talleres, es una buena idea que se hagan mesas de discusión y de reflexión”, expresó Jaime Gómez Triana, teatrólogo del Instituto Superior de Arte de La Habana, y quien ha acompañado al festival desde hace siete años.
La primera de las sesiones fue dirigida por el cubano, junto a directores participantes del festival. La segunda fue moderada por Bertha Díaz, y estuvieron el crítico ecuatoriano Santiago Rivadeneira, de la revista El Apuntador; Maico Silveira, teatrista brasileño del Colectivo y Revista El Sótano; y Gómez Triana.
Se habló de las diferentes maneras de hacer este oficio y las estrategias de producción y creación. El auspicio, los temas y miradas son distintos pero hay un punto de unión en la preocupación por la realidad. El caso de Teatro Delle Radici, dirigido por la creadora argentina Cristina Castrillo, muestra “cómo se conectan la manera de pensar y hacer teatro con los problemas contemporáneos de la identidad, la soledad, la razón de ser del individuo”, concluyó Gómez Triana.
El boliviano Daniel Aguirre mostró al público todo lo que puede hacer un actor en escena y, en esa misma línea, el brasileño Maico Silveira partió desde lo unitario en la representación para romper esquemas. Silveira, con su obra titulada El día que aprendí a decir no, hizo gala de grandes dotes actorales con un manejo innato de la improvisación.
El Montaplatos dirigida por Jaime Tamariz fue la única obra del programa que no se presentó. Parra explicó a EXPRESIONES que el actor de Daemon Producciones, Alejandro Fajardo, fue intervenido en una clínica el lunes por lo que se canceló la función.
Bertha Díaz confió en la respuesta diaria del público. Además de los aplausos rescató la interacción entre asistentes y actores, ya que con frecuencia hubo intercambios de comentarios y preguntas. Esto deja ver el interés y sobre todo la “eficacia de la curaduría”, en palabras de Díaz.
“Las propuestas variaron y entre el dinamismo de los colectivos extranjeros, se notó el gran nivel escénico de los grupos del país”, comentó Daniel Lucas, estudiante de Comunicación Social de la Universidad Católica de Guayaquil.
“Las funciones se realizaron con pocas interrupciones de parte del público. Sin embargo, a comienzos del festival hubo gente que rechazó de plano los planteamientos y se retiró de la sala”, aseguró Leira Araújo, estudiante de la licenciatura en Artes Escénicas de la Universidad Espíritu Santo, quien concluyó: “Esto demuestra que falta en nuestra ciudad conocer más las manifestaciones escénicas y respeto al apreciarlas”.
Zona Escena ya está recibiendo material para el próximo año. Pronto se espera una reunión de los organizadores para definir si habrá una línea común o se buscará diversificar las propuestas. Fiartes-G es ya un referente en la reflexión sobre las artes y una plataforma alternativa al mercado artístico. MIGUEL MUÑOZ
http://www.expresiones.ec/ediciones/2012/09/13/cultura/fiartes-g--una-reflexion-sobre-el-ser/

martes, 11 de septiembre de 2012

15° edición de Fiartes-G


NOTICIAS

Ecuador: Nueve países están presentes en los 15 años de cita teatral    

15º edición del Fiartes-G
El Universo
15º edición del Fiartes-GLas jornadas artísticas empiezan esta noche del 30 de Agosto y se extenderán hasta el próximo 11 de septiembre. El escenario principal del encuentro es la sala Experimental del Teatro Centro de Arte, situado en el km 4,5 de la vía a Daule.

La realización de Fiartes-G está a cargo de la Corporación Zona Escena, cuyo director es el bailarín, coreógrafo y gestor cultural Jorge Parra. Para conmemorar los 15 años de la actividad artística, el equipo organizador buscó reunir exponentes del teatro actual.

“Como punto adicional para esta edición nos empeñamos en congregar a directores y sus respectivos grupos, cuyas amplias y sostenidas trayectorias se han erigido desde los diálogos con los preceptos marcados por la contemporaneidad, al tiempo que desde la indagación profunda de sus contextos”, enfatiza Parra.

La función inaugural del festival de artes escénicas está a cargo de Mapa Teatro-Laboratorio de Artistas, de Colombia, dirigido por Rolf Abderhalden. Será a las 21:00. La presentación se repetirá mañana, a las 20:00.

La cita teatral, a más de las presentaciones, contempla reflexiones sobre la actividad escénica, por lo que Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe, de México; Miguel Rubio, del grupo cultural peruano Yuyachkani; Santiago Roldós, de El Muégano Teatro, Guayaquil, Ecuador; Nixon García, director del grupo La Trinchera, de Manta, Ecuador; Rolf Abderhalden y Nelda Castillo, directora del grupo cubano El Ciervo Encantado, participarán en una mesa de diálogo mañana, en el Teatro Laboratorio del Instituto Tecnológico de Artes del Ecuador (ITAE), subsede del festival.

Otros grupos y artistas que intervendrán con sus propuestas en el Fiartes-G son Teatro delle Radici, dirigido por Cristina Castrillo, de Suiza; Daniel Aguirre, de Bolivia; Maico Silveira, de El Sótano-Colectivo Teatral, de Brasil, y un grupo de bailarines ecuatorianos, que han realizado un proceso de creación en una residencia con Trinidad Martínez, de España. Además, otras agrupaciones ecuatorianas que estarán en la cita escénica son Palosanto, de Manabí; Teatro del Cielo, de Cuenca y Jaime Tamariz, de Guayaquil.

Algunas funciones como las de los artistas que estuvieron en residencia con Trinidad Martínez, así como El Sótano-Colectivo Teatral de Brasil y Daniel Aguirre, de Bolivia, se desarrollarán en el ITAE. Todas las actividades serán gratuitas.
 

Mapa Teatro de Colombia inaugura el XV Fiartes-G en Centro de Arte

Agenda Cultural

Mapa Teatro de Colombia inaugura el XV Fiartes-G en Centro de Arte

 Mapa Teatro de Colombia inaugura el XV Fiartes-G en Centro de Arte.

El XV Festival Internacional de Artes Escénicas Guayaquil 2012 (Fiartes-g) dará inicio esta noche con 7 invitados foráneos y 4 nacionales. El primero en subir al tablado será Mapa Teatro de Colombia.

Redacción Cultura

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El XV Festival Internacional de Artes Escénicas Guayaquil 2012 (Fiartes-g) dará inicio esta noche con 7 invitados foráneos y 4 nacionales. El primero en subir al tablado será Mapa Teatro de Colombia.
Hoy y mañana. Desde las 21:00 en la Sala Experimental del Centro de Arte, ubicado en el km 4 1/2 vía a la Costa. Entrada libre.
Encuentro Internacional de Director@s Escénic@s será en ITAE
En el XV Fiartes-g, Jaime Gómez Triana guiará un panel con Rolf Abderhalden (COL), Miguel Rubio (PER), Nelda Castillo (Cuba), Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe (MEX), Santiago Roldós y Nixon García.
En el Instituto Superior Tecnológico de Artes del Ecuador. Mañana, a las 10:00, Teatro Laboratorio (Quito y Bolivia). Libre.
IX Encuentro Internacional de Narradores Orales en dos teatros
La Sala Zaruma del Teatro Sánchez Aguilar recibe a la mexicana Mercedes Hernández hoy con “Murmullos en el páramo”. MAAC Cine acogerá al español Crispín D’Olot, con “Versos y Bardos”.
“Un Cerro de Cuentos”. A las 19:00 en el teatro (Km 1,5 vía a Samborondón) y a las 20:00 en Malecón y Loja. $15 y $5.
Resultados del Premio Nacional de Artes Mariano Aguilera se revelan
Pedro Cagigal, coordinador del CAC (e); Ana Rosa Valdez, responsable del Premio, Trinidad Pérez; Édgar Vega, del Comité Técnico de Pre-selección, y el Comité de Jurados darán a conocer los premiados.
Este año cuenta con dos modalidades. Hoy, 10:30, en Montevideo y Luis Dávila (Antiguo Hospital Militar), Barrio de San Juan.

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XV FIARTES-G

Hoy Muégano estrena “Ensayo sobre la soledad”

Colombia, con su vivir urbano, abrió festival

El XV Fiartes-G comenzó el jueves con Mapa Teatro, que retrató la transición de un barrio suburbano de Bogotá a un moderno parque.
“Testigo de las Ruinas” es, enfatizan  sus creadores, un testimonio, no una crítica. Foto: Internet

“Testigo de las Ruinas” es, enfatizan sus creadores, un testimonio, no una crítica. Foto: Internet
Redacción Cultura
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Arepas y chocolate caliente para el frío, tal como los que vendían y consumían en la calle del Cartucho en Bogotá hasta que se convirtió en el Parque Tercer Milenio, fue lo que el público obtuvo luego de observar el montaje “Testigo de las Ruinas”, con concepto visual de Rolf Abderhalden y dramaturgia de Heidi Abderhalden.
Esta vez el elenco de Mapa Teatro, en la función inaugural del XV Festival Internacional de Artes Escénicas de Guayaquil (Fiartes-G), decidió no poner actores en escena, en la Sala Experimental del Centro de Arte, sino a la última “sobreviviente” de lo que fue la calle del Cartucho de Bogotá, Juana Ramírez, quien a la par que da su testimonio, en vivo, prepara arepas y un chocolate caliente.
La protagonista no es solo Ramírez, es también el sonidista en vivo, Juan Ernesto Díaz, que realza la creación sonora y musical de Carlos Benavides “Champi” para contar la paradoja de la vida urbana moderna en la que no importa haber desplazado a una serie de habitantes de barrios suburbanos para que la metrópoli, capital de un país, muestre su cara amable.
Mediante video, tipo documental, y apariciones de personajes sin diálogo, nombre o vestuario particular que solo se sientan junto a las pantallas o se paran frente a ellas, cubiertos con mantas y dando la espalda al público, uno se entera cómo se compraron 601 predios, que fueron demolidos para construir el parque causando que los habitantes vivieran temporalmente en el antiguo matadero municipal.
¿Cómo hizo el Gobierno de Bogotá para darles comodidad a los desplazados? Les dio pintura para que ellos mismos arreglaran su “hogar” temporal y se sintieran mejor, a pesar de que uno de los adultos mayores dijo que estar allí era “una explosión de Cartuchos”.
Durante la puesta en escena no se dice el nombre de la ciudad hasta que con los videos de los desplazados se entrelaza el audio de una transmisión de Caracol Noticias que explica el tema del Cartucho y el futuro Parque Tercer Milenio, que a lo largo de la obra es visto en planos explicados por alguna funcionaria pública, mientras una integrante de Mapa Teatro hace acotaciones a los detalles enunciados y ya completados, con una sonriente Juana Ramírez sentada en un banco jugando con su mascota.
Antes de la presentación de “Testigo de las Ruinas”, Jorge Parra, director de Corporación Zona Escena, colectivo organizador del Fiartes-G, destacó la trayectoria del programa que cumple 15 años de continua actividad y que en esta ocasión se extenderá hasta el 11 de septiembre con funciones en el Centro de Arte, coproductor de la cita hace un par de años, y el Teatro Laboratorio del ITAE, institución que este año facilitará las sedes para eventos académicos.
Apenas unas 80 personas disfrutaron de la interpretación de Mapa Teatro que se repitió ayer por la noche. Fue interesante fue ver entre el público a varios hombres y mujeres de teatro de la ciudad apreciando el trabajo de sus colegas colombianos y al final disfrutando de las arepas y el chocolate.
Ayer por la mañana esa comunidad vio a Rolf Abderhalden compartir con otros directores escénicos de Ecuador, Perú, Cuba y México, en una charla guiada por el teatrólogo Jaime Gómez Triana.
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Nueve países están presentes en los 15 años de cita teatral.

Jueves 30 de agosto del 2012
Arte y cultura

Nueve países están presentes en los 15 años de cita teatral.

La agrupación Mapa Teatro-Laboratorio de artistas, de Colombia, es la primera en participar en el Festival Internacional de Artes Escénicas Guayaquil (Fiartes-G). La función es hoy.
La agrupación Mapa Teatro-Laboratorio de artistas, de Colombia, es la primera en participar en el Festival Internacional de Artes Escénicas Guayaquil (Fiartes-G). La función es hoy.
Ocho agrupaciones y varios solistas pertenecientes a diversos países latinoamericanos, incluido Ecuador, así como de Brasil y Europa, participan este año como invitados a la 15º edición del Festival Internacional de Artes Escénicas Guayaquil (Fiartes-G).

Las jornadas artísticas empiezan esta noche y se extenderán hasta el próximo 11 de septiembre. El escenario principal del encuentro es la sala Experimental del Teatro Centro de Arte, situado en el km 4,5 de la vía a Daule.

La realización de Fiartes-G está a cargo de la Corporación Zona Escena, cuyo director es el bailarín, coreógrafo y gestor cultural Jorge Parra. Para conmemorar los 15 años de la actividad artística, el equipo organizador buscó reunir exponentes del teatro actual.

“Como punto adicional para esta edición nos empeñamos en congregar a directores y sus respectivos grupos, cuyas amplias y sostenidas trayectorias se han erigido desde los diálogos con los preceptos marcados por la contemporaneidad, al tiempo que desde la indagación profunda de sus contextos”, enfatiza Parra.

La función inaugural del festival de artes escénicas está a cargo de Mapa Teatro-Laboratorio de Artistas, de Colombia, dirigido por Rolf Abderhalden. Será a las 21:00. La presentación se repetirá mañana, a las 20:00.

La cita teatral, a más de las presentaciones, contempla reflexiones sobre la actividad escénica, por lo que Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe, de México; Miguel Rubio, del grupo cultural peruano Yuyachkani; Santiago Roldós, de El Muégano Teatro, Guayaquil, Ecuador; Nixon García, director del grupo La Trinchera, de Manta, Ecuador; Rolf Abderhalden y Nelda Castillo, directora del grupo cubano El Ciervo Encantado, participarán en una mesa de diálogo mañana, en el Teatro Laboratorio del Instituto Tecnológico de Artes del Ecuador (ITAE), subsede del festival.

Otros grupos y artistas que intervendrán con sus propuestas en el Fiartes-G son Teatro delle Radici, dirigido por Cristina Castrillo, de Suiza; Daniel Aguirre, de Bolivia; Maico Silveira, de El Sótano-Colectivo Teatral, de Brasil, y un grupo de bailarines ecuatorianos, que han realizado un proceso de creación en una residencia con Trinidad Martínez, de España. Además, otras agrupaciones ecuatorianas que estarán en la cita escénica son Palosanto, de Manabí; Teatro del Cielo, de Cuenca y Jaime Tamariz, de Guayaquil.

Algunas funciones como las de los artistas que estuvieron en residencia con Trinidad Martínez, así como El Sótano-Colectivo Teatral de Brasil y Daniel Aguirre, de Bolivia, se desarrollarán en el ITAE. Todas las actividades serán gratuitas.

Apuntes
Nelda Castillo y Jaime Gómez (teatrólogo cubano) impartirán seminarios. Mayor información al teléfono 230-9295.

Asimismo, Gómez intervendrá en una mesa redonda sobre el teatro en Iberoamérica en la actualidad. Participarán con él Maico Silveira (Brasil) y Bertha Díaz (Ecuador), de El Sótano Colectivo Teatral, y Genoveva Mora (Ecuador),

http://www.eluniverso.com/2012/08/30/1/1380/nueve-paises-estan-presentes-15-anos-cita-teatral.html

EL FIARTES-G EXPLORA EL TEATRO POSMODERNO

Domingo 02 de septiembre del 2012
Arte y cultura

El Fiartes-G explora el teatro posmoderno

Mildred Wiesner Yagual  
 
Integrante de la agrupación peruana Yuyachkani (d), Montaje del trabajo Testigo de las ruinas (i), y Andrea Fardella y Camilla Parini, del grupo Teatro delle Radici, de Suiza.
Integrante de la agrupación peruana Yuyachkani (d), Montaje del trabajo Testigo de las ruinas (i), y Andrea Fardella y Camilla Parini, del grupo Teatro delle Radici, de Suiza.
Un muestreo de las nuevas dramaturgias, de aquellas propuestas que rompen con los esquemas del teatro convencional y que han incursionado en nuevos lenguajes es lo que busca recoger el Festival Internacional de Artes Escénicas Guayaquil (Fiartes-G), que se inició el pasado jueves y se extenderá hasta el 11 de este mes.

Organizado por la Corporación Zona Escena, que dirige el coreógrafo, bailarín y gestor cultural Jorge Parra, la cita convoca propuestas que involucran otros elementos del medio audiovisual y artístico, como la música, el cine, la instalación y hasta la danza.

Este año, en el que se cumplen 15 de la permanente gestión y realización del encuentro, Parra estableció como temática el teatro del siglo XXI. Exponentes del arte escénico de nueve países, incluido Ecuador, participan en esta fiesta que tiene como principales escenarios las dos salas (principal y Experimental) del Teatro Centro de Arte, el cual es regentado por la Fundación Sociedad Femenina de Cultura y funciona como coproductor del festival, explica el bailarín y gestor cultural.

Asimismo, se realizan jornadas artísticas y didácticas en el Instituto Tecnológico de Artes del Ecuador (ITAE), entidad que también es auspiciante del Fiartes-G.

Parra indica que el principal aporte económico proviene del Ministerio de Cultura, que este año vuelve a contribuir con 30.000 dólares para la cita. Otros colaboradores son el Grand Hotel Guayaquil, la Embajada de Suiza en Ecuador y la Red de Programadores Culturales de América Latina y el Caribe, que “han permitido que algunos grupos puedan pagarse sus pasajes hasta Ecuador”.

Añade que la prioridad para la selección de grupos es que sus trabajos se ajusten a la temática del festival. “Otros aspectos de juicio son los recursos que demanden su producción, la calidad de la obra y los costos que genere el montaje”, afirma.

Agrega que cuando no se ha logrado suficiente presupuesto para ejecutar la cita se “negocia con los grupos” a ver si se puede cambiar una pieza que resulta ser más cara, por otra que sea más económica. “Así se cambie de obra siempre la vemos, porque hay que saber el trabajo que veremos en el país”, manifiesta Parra.

Esto sucedió con Mapa teatro, de Colombia. La pieza que trajo al encuentro se titula Testigo de las ruinas y hace uso de pantallas en movimiento, ubicadas a modo de instalación, para abordar la desaparición del barrio Santa Inés, como parte de la regeneración urbana en Bogotá. Se presentan testimonios, imágenes del lugar y los relatos de antiguos habitantes del sector.

Rolf Abderhalden, diseñador visual de Mapa teatro, menciona que sus propuestas escénicas se nutren de otras disciplinas (artes visuales, cine, el sonido, la música) porque cada uno de sus integrantes viene de distintas profesiones, “lo que permite una interlocución al momento de la creación”.

Las agrupaciones que intervienen en el Fiartes-G las conoce el bailarín y gestor cultural a través de recomendaciones de gente involucrada en el teatro, de redes de artes escénicas y mercados culturales de distintos países. “Cuando no sabemos de algún grupo procuramos buscar mucha información de su trabajo, de la injerencia de sus obras en sus países”, dice.

Miguel Rubio, director de Yuyachkani (término que en quichua significa “estoy pensando, estoy recordando”), comenta que su grupo se ha planteado constantemente una pregunta: “Quiénes somos, de dónde venimos y hacia dónde vamos; es decir, el teatro es un hecho artístico que invita a inventar, no solo a reproducir formatos”.

A este hecho se debe que su propuesta, Con-cierto olvido, incorpora poemas, canciones y piezas musicales, que evocan el acervo cultural tradicional peruano.

En el campo de la experimentación por nuevos lenguajes en el tablado también transita el grupo ecuatoriano Muégano Teatro, que en su obra Ensayo sobre la soledad incluye el espectáculo circense y reflexiona sobre la infancia del ser humano y las odiseas del afecto.

También intervendrán dentro del festival, agrupaciones y solistas de Bolivia, México, España, Suiza, Cuba y Brasil.

Programación
En la cuarta jornada teatral del Festival Internacional de Artes Escénicas Guayaquil (Fiartes-G), que se desarrolla hoy, a las 19:00, en la sala principal del Teatro Centro de Arte, km 4,5 de la vía a Daule, se presenta el grupo peruano Yuyachkani. La puesta en escena se titula Con-cierto olvido. La entrada es libre.

Desde mañana hasta este viernes, de 10:00 a 12:00, en el Instituto Tecnológico de Artes del Ecuador (ITAE), en Bolivia y Quito, se realiza el taller internacional con el crítico teatral cubano Jaime Gómez Triana sobre formas de producción artística. El ingreso es gratuito. Más informes sobre este y otras actividades didácticas al teléfono 230-9295.


http://www.eluniverso.com/2012/09/02/1/1380/fiartes-g-explora-teatro-posmoderno.html

TEATRO DEL CIELO /LUNA DE MIEL LOTRA DE SAL/ CUENCA -ECUADOR

Jueves 13 de septiembre del 2012
Arte y cultura

Crítica de Teatro: Teatro del Cielo, Transformar el mimo corporal y el teatro

Bertha Díaz (la.maga83@gmail.com)
Críticas de Teatro
 
Yanet Gómez y Martín Peña, del grupo Teatro del Cielo.
Teatro del Cielo, que integran y codirigen el ecuatoriano (de Cuenca) Martín Peña y la cubana Yanet Gómez, cerró el lunes último la 15ª edición del Festival Internacional de Artes Escénicas-Guayaquil. Lo hizo delante de un público que repletó la sala Experimental del Teatro Centro de Arte y que estuvo seducido por la precisión técnica con la que ejecutaron su obra Luna de miel, lotra de sal y por el humor sencillo que se trasluce de ella.
 
Efectivamente, desde que hace algunos años esta pareja instaurase la única compañía ecuatoriana que erige sus montajes desde el lenguaje del mimo corporal, técnica configurada por el francés Étienne Decroux, ha logrado constituir un público que sintoniza perfectamente con la singularidad de sus montajes. Cabe referir que su aporte a la escena nacional es la diversificación de la idea del teatro de hoy, pues desde sus piezas ayudan a contaminar cualquier intento de definición unívoca sobre lo que es el teatro ecuatoriano.

Desde sus inicios, en el 2004, cuando la compañía se llamaba Mimo Teatro Escala e irrumpió en la escena con mucha precisión con piezas como Caballo de mar y Hombre y sombra, quedó claro en la audiencia lo que es propio de la técnica con la que trabajan: el drama está contenido en el cuerpo del actor/actriz y no en el todo del montaje.

Quizás es justamente por esto que acabo de enunciar que esta obra –que pertenece a lo que me atrevo a llamar una segunda fase de este grupo, orientada más en la creación dramatúrgica tradicional, es decir, a la instauración de una historia en sus montajes– a ratos no goza de la eficacia que la agrupación tuviese en sus primeros tiempos.

Al llegar un elemento que le es ajeno a su matriz, me refiero al texto, el engranaje que la compañía había logrado con la síntesis corporal, tambalea ligeramente –sobre todo en ritmo–. En la obra, cuando el exceso de literalidad está presente, parece traicionar al propósito del mimo corporal, que es el sugerir con el movimiento. Sin embargo, todo intento de cuestionar el propio trabajo, con el propósito mismo de la transformación de la grupalidad, es válido en el teatro: forma parte de la necesidad del movimiento, de la puesta en riesgo. Y eso, sin duda, es digno de reconocimiento.

Al margen de esto, que es un ajuste netamente técnico que el grupo encontrará y afianzará en su andar, y que no pone en cuestionamiento lo que el grupo simboliza en nuestro contexto, cabe decir que el público se deja atrapar con sus propuestas.

El retrato de lo cotidiano, de un cotidiano miserable que es el de muchas parejas (la obra trata de la crisis del matrimonio justamente) al ser enunciado con el texto y a la vez acompañado de este lenguaje corporal hipercodificado se subvierte y la risa acontece.

Los momentos en los que simplemente es el cuerpo que cuenta los avatares de la pareja y donde hay un despliegue de la técnica, totalmente incorporada por la compañía, el sentido se multiplica y el encantamiento acontece de manera más solvente.

Sin duda, Teatro del Cielo es una compañía imprescindible para nuestra escena, con una latente necesidad de ir siempre más allá de lo que el esquema desde el que ha constituido su andar, le permitiría en apariencia.

http://www.eluniverso.com/2012/09/13/1/1380/teatro-cielo-transformar-mimo-corporal-teatro.html

PALO SANTO /LAS PAREDES HABLAN/ MANTA-ECUADOR

Miércoles 12 de septiembre del 2012
Arte y cultura

Crítica de teatro: ‘Las paredes hablan’. Palo Santo, en Fiartes-G

Por Jaime Gómez Triana (jgnanok78@yahoo.es)
Críticas de Teatro
Carlos Valencia (i) y Raymundo Zambrano actúan en la obra Las paredes hablan.

Las paredes hablan, con puesta en escena de Raymundo Zambrano, reanudó el pasado domingo la muestra nacional en el Festival Internacional de Artes Escénicas Guayaquil.

El evento da cuenta de esta manera del quehacer de los grupos del país, lo cual forma parte de un concepto bien posesionado que insiste en la necesidad de mostrar las propuestas de los grupos internacionales siempre a partir del diálogo y el intercambio con los grupos ecuatorianos. Es justamente esa visión la que nos permite decir que durante sus quince años de vida Fiartes-G ha programado lo más significativo del teatro nacional convirtiéndose en una excelente vitrina para pensar el desarrollo local de las Artes Escénicas.

Llegados desde Manta, los integrantes de Palo Santo presentaron en la sala Experimental del Teatro Centro de Arte una pieza que conecta formidablemente con los espectadores en tanto se estructura a partir de las dinámicas de un teatro popular. Personajes característicos y una circunstancia que permite, más que el desarrollo de una historia, el juego escénico de los roles, constituyen el centro de la propuesta.

Un maestro albañil (Domingo) y su ayudante (Narciso) entablan una relación cercana y productiva. Enamorado de la poesía, del teatro y de la mitología grecolatina, el maestro guiará al ayudante por los vericuetos de su oficio y procurará hacer de él una mejor persona, un ser dotado de sensibilidad para las artes, capaz de enfrentar con entereza de espíritu los desafíos de la vida.

El texto, original de Raymundo Zambrano, plantea el encuentro de los dos personajes involucrados en la construcción de un nuevo edificio, tarea que para el maestro, perteneciente al honorable gremio de los albañiles, constituye una verdadera creación artística que equipara con la producción teatral. Remembranza cotidiana de Quijote y Sancho, los personajes son polos opuestos mediante los cuales contienden dos visiones distintas de la vida, una ennoblecedora, que busca la trascendencia del espíritu en cada momento, y otra más apegada a los instintos, que apenas alcanza a ver la necesidad de obrar bien y de mirar más allá de las propias narices.

Una escenografía funcional, conformada por unas cuantas cajas de cerveza, permite el juego de la puesta en el espacio vacío y hace posible la constante mutación de las escenas a lo cual contribuye el adecuado uso de las luces. El diseño de vestuario, por su parte, ayuda a potenciar la visualidad que solo se rompe cuando se recrea el sueño de Narciso, un momento paródico que aprovecha resortes del vernáculo y que podría estar mejor trabajado con el objetivo de no romper tan abruptamente con el resto de la propuesta.

Sin duda, el valor fundamental de la obra está relacionado con el trabajo de los intérpretes. Carlos Valencia y el propio Raymundo Zambrano dan vida al ayudante y al maestro, respectivamente, y consiguen excelentes desempeños no solo por el trabajo de construcción de sus personajes, sino también por el oficio que les permite amplificar sus caracterizaciones y conectar directamente con el espectador. En ese sentido es válido destacar la peculiar investigación en torno al imaginario nacional que aflora durante la obra a través de frases chiste, sobrenombres, juegos y canciones.

Ligera y sin otra pretensión que divertir al público, cometido que realiza con creces, la puesta pudiera revisarse con el objetivo de hacerla más compacta, lo cual obligaría a sintetizar algunos momentos y a concebir mejor el final puesto que en varias ocasiones nos parece que la función terminó y el diálogo vuelve a recomenzar, lo cual, sin duda, atenta contra el resultado global de la propuesta. La música de igual modo podría repensarse pues aunque los temas conectan desde el punto de vista temático con la pieza, estos traicionan en cierta medida el concepto que presupone ofrecer un retrato de tipos y costumbres nacional.

Volviendo a la necesidad de conexión con la platea y la capacidad de activar un discurso que se retroalimenta, en vivo a partir del contacto con los espectadores, habría que saludar la pertinencia de la inclusión de esta puesta en la muestra de Fiartes-G. El teatro es también un espejo que nos devuelve una imagen, deformada quizás, tal vez ambivalente, de lo que somos, pero una imagen ciertamente imprescindible en tanto refuerza la identidad y con ella el orgullo de formar parte de una nación y de las tradiciones que la sustentan.

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lunes, 10 de septiembre de 2012

DANIEL AGUIRRE /120 KILOS DE JAZZ / BOLIVIA

Lunes 10 de septiembre del 2012
Tiempo Libre

Crítica de teatro: Daniel Aguirre y sus diversos cuerpos en escena

BERTHA DÍAZ | la.maga83@gmail.com
 
 

En el marco del Fiartes-G, el actor boliviano Daniel Aguirre se presentó el viernes pasado en el Teatro Laboratorio ITAE.
En el marco del Fiartes-G, el actor boliviano Daniel Aguirre se presentó el viernes pasado en el Teatro Laboratorio ITAE.
Con un espectáculo erigido desde la pura actoralidad, Daniel Aguirre –boliviano, surgido en el célebre grupo de su país natal Teatro de los Andes y ahora actor independiente– trajo al Festival Internacional de Artes Escénicas-Guayaquil (Fiartes-G) una obra de simple dramaturgia textual, pero muy inteligentemente elegida. La simplicidad de la historia que se cuenta permite que toda la atención espectatorial esté centrada en la capacidad del artista de volverse múltiple a través de ella.

Hay en escena solo una silla. El resto, vacío. El actor interviene de múltiples formas en una historia de amor no correspondido entre un hombre gordo –paquidérmico, dice el mismo cuento puesto en escena– y una muchacha de clase alta que lo conoce, pero que jamás reconocería en él a un tipo potencialmente atractivo. Para estar cerca de ella, el ‘gordo Méndez’ –entorno a quien se genera el drama– se hace pasar por un músico de jazz para infiltrarse en una fiesta que dará el padre de la muchacha. El resto de la historia es anécdota…

La potencia de Aguirre se despliega en su capacidad de ser en la obra al mismo tiempo el narrador, el gordo Méndez, la muchacha, el padre, el músico que le permite que ocupe su lugar para entrar en la fiesta y los demás personajes que contextualizan la historia.

Su atractivo no está fundamentado en su posibilidad de ‘representar’ múltiples papeles, sino en su pericia para ‘ser’ muchos cuerpos que habitan en un mismo bloque de tiempo-movimiento.

Es posible, desde el juego actoral que realiza Aguirre, verlo con diferentes volúmenes. Su relación con el peso y cambio de energía, obligan incluso a percibir el espacio vacío escénico de manera diversa. Además, resulta interesante ver cómo su verdadero cuerpo (si es que cabe el apelativo ‘verdadero’ con una propuesta como esta que parece hacer tambalear lo real), esté desdibujado ante quien lo mira y reemplazado por los que él mismo crea a través del gesto, de la indagación profunda del retrato de cada uno de los personajes que complementan la historia.

El jazz, que parece ser solo parte del anecdotario de la obra, le sirve a Daniel Aguirre para constituir sus partituras físicas. Ante el espectador hay, evidentemente, un actor con una gran musicalidad íntima que le permite crear diversos ritmos y tesituras corporales.

Aunque es evidentemente un trabajo de estructura convencional teatral (y entendiendo que no tiene pretensión de estar en otra categoría) la subversión existe y está manifestada desde la capacidad lúdica que despierta con su cuerpo el actor.

Definitivamente, un trabajo que reivindica una de las lógicas primigenias del teatro: basta que exista una persona que actúe y otra que mire, para que este fenómeno acontezca. El despojo del artificio, la apuesta por un teatro del espacio vacío, como refiere el maestro de las artes escénicas inglés Peter Brook, es algo que en la actualidad se vuelve una opción de negación a las imposiciones de las lógicas del circuito artístico, donde el exceso parece intrínseco al quehacer teatral hoy.

http://www.eluniverso.com/2012/09/10/1/1378/daniel-aguirre-sus-diversos-cuerpos-escena.html

COLECTIVO EL SÓTANO / EL DÍA EN QUE APRENDÍ A DECIR QUE NO / BRASIL

Sábado 08 de septiembre del 2012
Arte y cultura

El cuerpo disfuncional o en qué estás pensando. La propuesta de El Sótano

JAIME GÓMEZ TRIANA |
 

Maico Silveira, del Colectivo El Sótano, de Brasil, durante su presentación en el ITAE de la obra El día que aprendí a decir no.
Maico Silveira, del Colectivo El Sótano, de Brasil, durante su presentación en el ITAE de la obra El día que aprendí a decir no.
La idea de un hombre normal, abrumado por la infinita cantidad de mensajes que hoy se difunden, encerrado en la propia necesidad de decir y hacer y, al mismo tiempo, desprovisto de medios propios para ir más allá de su renuncia, sobrevuela el trabajo de Maico Silveira, de Brasil, integrante del Colectivo El Sótano.

El día que aprendí a decir no se presenta como un proyecto que se me antoja intencionalmente disfuncional y que puede estar hablando de un mundo en el que ha fracasado todo compromiso, en el que ‘yo’ se deslegitima en medio de una multitud que se mueve por instintos, se comunica a través de Facebook y se rompe la cabeza para poder decir en pocas líneas en qué está pensando.

Una sensibilidad que habla desde los más jóvenes sustenta esta experiencia que escapa de lo bien hecho, que se agiganta de puras ganas y, quizás, de puro miedo. Un balón, una capa de agua y cuatro focos dan cohesión a un espacio-instalación en el que la lluvia es una referencia añorada. El personaje desea bañarse desnudo en el aguacero y ese gesto, al que se oponen las buenas costumbres y el “deber ser”, se convertirá tal vez en una obsesión, que persigue y evade al mismo tiempo.

Desestructurada dramatúrgicamente, con momentos y, sobre todo, con textos francamente insustanciales, la obra logra, no obstante, una comunicación con el público, fundamentalmente con los más jóvenes, a partir de un recurso que resulta sincero. El actor –o el personaje– apenas logra concentrarse en sus actos, mira al público todo el tiempo, como buscando aprobación; pregunta de manera directa e, incluso, solicita un aplauso y anuncia el final. Pienso en que el joven intérprete está quizás presionado por tener que hacer la obra en español y que esa permanente búsqueda de aceptación por parte de los espectadores puede estar relacionada con su necesidad de verificar si la obra está siendo verdaderamente comprendida.

La puesta exhibe, en verdad, cierta impericia compositiva e interpretativa, casi podría hablarse de la desnudez de un “no actor” que trata, al mismo tiempo, de sostener su proyecto sobre la idea de lo que él mismo, paródicamente, denomina teatro poscontemporáneo.

Sabe, sin embargo, que un término teórico no puede resolver algo que falla en términos de cohesión y coherencia. Obviamente, no soy de los que quieren a toda costa oír una historia en el teatro.

Me interesa, ante todo, el valor de la experiencia compartida. No obstante, hay niveles y calidades que son fácilmente verificables y no siempre el juego de ser y no ser se articula en un discurso reflexivo en torno a la función y la razón de ser del teatro como lenguaje y como artificio.

Está claro que Maico Silveira pretende una pieza distendida que rompa la idea del teatro introyectada en el espectador contemporáneo, sin embargo, la propuesta no logra su cometido, puesto que quedan muchos cabos sueltos en su concepción. Aun así, salvo de la propuesta una excelente imagen que bien podría haber sido una pieza en sí misma.

Un joven lanza con fuerza, una y otra vez, un balón contra las paredes, las columnas, incluso contra el techo. Confieso que esa sola imagen dice más que cientos de palabras. Hay en esa acción una fuerza tremenda y su intensidad obliga a pensar en una disfuncionalidad escénica que quizás deviene en una extraordinaria metáfora del horror posindustrial en la era del vacío.

Esta noche

Hoy, a las 19:00, en el Instituto Tecnológico de Artes del Ecuador (ITAE), en Bolivia y Quito, se realiza un diálogo con la crítica teatral ecuatoriana Bertha Díaz sobre ‘El teatro hoy’. La entrada a la actividad es gratuita.
http://www.eluniverso.com/2012/09/08/1/1380/cuerpo-disfuncional-estas-pensando-propuesta-sotano.html

TEATRO DELLE RADICI / TRACK / SUIZA

Viernes 07 de septiembre del 2012
Arte y cultura

Un vuelco hacia el teatro íntimo

* Bertha Díaz (la.maga83@gmail.com)
Críticas de Teatro
La presencia de la argentina Cristina Castrillo, directora de Teatro delle Radici (Teatro de las raíces), de Suiza, quien fue parte del célebre Libre teatro libre, grupo de resistencia creativa de su país natal en la década de los setenta, se extrañó en el Encuentro Internacional de director@s escénic@s, que se realizó el 31 de agosto último como parte del Festival Internacional de Artes Escénicas-Guayaquil (Fiartes-G), pues hubiese sido totalmente resonante con la mirada central de esta edición de las jornadas, puesta en evidencia en tal marco.

Sin embargo, tener al colectivo que tal artista fundase en Suiza, tras exiliarse de su país natal, para abrir una especie de segunda fase de este número del Fiartes-G, ha sido también fundamental en este contexto.

Con Track, así se titula la obra del grupo liderado por Castrillo, la decimoquinta edición del Festival vertió su orientación de este número –a partir del miércoles último– a obras de menor formato pero con una clara intención investigativa, fundamentada, sobre todo, en la dramaturgia del actor/actriz. Es decir, en la potencia que al montaje escénico le imparte la investigación hecha desde la propia actoralidad para colmar de sentido la escena.

Aún con la impronta de los orígenes de la directora, visibilizada sobre todo a nivel temático de la obra (la fisura interior, el desarraigo a nivel macro, la soledad, la imposibilidad de ser, etc.), pero con un proceso de estetización muy propio del teatro actual europeo –el diseño minimalista y el uso de una luz blanca que invade el pequeño cuadrado donde se desarrolla el trabajo y comprime la acción escénica– se erigió Track ante el público guayaquileño.

En la pieza Andrea Fardella (quien seduce al público no solo desde la actuación sino, además, desde su juego con el canto en vivo que complementa la banda sonora pregrabada) y Camilla Pardini (a veces opacada por Fardella, a pesar de su brillantez en escena, por el lugar que ocupa en la dramaturgia) sostienen dos monólogos disfrazados de un diálogo que nunca acontece.

La crisis de la réplica del otro/a está expuesta, así como la necesidad de exaltar un mundo íntimo, desordenado, disparatado, en quiebre. Con partituras corporales aparentemente sencillas por la precisión con la que se ejecutan, y con la complicidad de siete cubos cuyos usos y sentidos están multiplicados, la pieza acontece a modo de retrato íntimo sin estructura dramatúrgica tradicional. Toda la obra es una suerte de nudo que nunca logra desatarse.

La contención, entonces, a ratos parece que le hicieran perder ritmo a la pieza, pero al mismo tiempo es lo que da sentido a las lógicas marcadas desde la propia concepción y dirección de la obra.

Cabe referir, además, que resulta atractiva la tensión que ejerce el texto (escrito por la misma Castrillo) que evoca una percepción y construcción del mundo muy propia del ser latinoamericano, dado vida por actores que evidentemente forman parte de una realidad disímil de la nuestra. Hay ahí mismo una fisura que a simple vista pueden quitarle intención a la obra, pero que si se mira con agudeza multiplica el sentido de la misma, abre otros canales. Sin duda, estuvimos ante una pieza que obligó a dejar del ritmo vertiginoso y trepidante marcado en los primeros días de este Festival, para sucumbir en una dinámica espectatorial más calma, pero no menos honda.

* Crítica teatral ecuatoriana.
http://www.eluniverso.com/2012/09/07/1/1380/un-vuelco-hacia-teatro-intimo.html